Ripples : Neues Aus den Zwischenwelten
October 23rd, 2023
Daphne X – The Plumb Sutra
Drew Mulholland – Through The Glass Darkly
Drew Mulholland – CP1919
Fiesta En El Vacio – Fiesta En El Vacio
Le Diable Dégoutant – Dito
Enhet För Fri Musik – Inom Dig, Inom Mig
DEK – 1981-87 Vol.1
Me Lost Me – RPG
Wien und Linz dienen als temporäre Ausgangsbasen für die griechische Musikerin und Soundartistin Daphne X (Xanthopoulou), die live bei diversen experimentellen Musikfestivals in letzter Zeit zu sehen und hören war und dessen ausgezeichnetes Tape The Plumb Sutra auf dem Londoner Label Bezirk Tapes (das klingt zweifelsohne auch nach einer österreichischen Verbindung) erschien.
Die Songs für das Album entstanden im beinahe gänzlich entvölkerten galizischen Hinterland und spiegeln mit – gefühlt –
bis in die Unendlichkeit sich wiederholenden Piano-und Synthie-Loops, elektronischen Verfremdungen und Natur- und Gesprächs-Aufnahmen die Atmosphäre wider. Daphne X zieht in ihren Kompositionen einerseits Parallelen zu Pauline Oliveiros Deep Listening Musikphilosphie, aber fühlt sich auch von Neo-heidnischen Folksongs inspiriert. Wäre The Plumb Sutra allerdings nur die Suche nach einer esoterischen Grenzerfahrung, klänge das nicht weiter erwähnenswert. Durch Brechung und Montage schafft Xanthopoulou aber eine nicht leicht entwirrbare, unheimliche Grundstimmung, die durch eine spröde Punkästhetik befeuert, an die geheimnisvollen, post-industriellen Musiklandschaften von Zoviet France anknüpft und den Songs eine besondere Tiefe gibt.
In Glasgow verschrieb sich Drew Mullholland mit seiner Musik schon immer dem Überweltlichen und Nicht-Eindeutig -Erklärbaren dieser oder anderen Welt(en), und das meist mit einem im Post-Industrial-Genre unüblichen Augenzwinkern. The Séance At Hobs Lane, Mulhollands Kollaboration mit Musikern aus der Glasgower Szene und Adrian Utley als Mount Vernon Arts Lab gilt zum Beispiel zurecht als Meilenstein und Referenz für die Library Music – Protagonisten und Hauntology. “…The forthcoming end of the world will be hastened by the construction of underground railways burrowing into infernal regions and thereby disturbing the Devil.” (Rev. John Cumming, 1860) liest es sich auf dem Cover, des dann auch folgerichtig auf Ghost Box – Records erschienenen Albums. The Norwood Variations ist dagegen eine eklektische Mischung aus Kammermusik und einem Spoken Word- Vortrag über Psychogeographie; The Warminster UFO Flap macht diverse UFO-Sichtungen und scheinbar wahrgenommene Audio-Signale aus dem Weltraum um Salisbury herum zum Thema für eine andere Kultplatte.
Spezielle Plätze, an denen Unerklärliches geschehen sein mag oder Personen, denen solches widerfahren ist, sind oft der auslösende Impuls für Drew Mulholland, sich dem intensiver künstlerisch zu widmen.
So auch bei den beiden diesen Sommer erschienenen Tapes auf dem jungen, sehr empfehlenswerten britischen Label Human Geography: Through The Glass Darkly und CP1919.
John Dee wurde 1527 in London geboren und war so intelligent, dass er als 20-jähriger neben umfassenden Kenntnissen der Astrologie, Astronomie, Mathematik und Navigation auch Griechisch, Latein und Hebräisch beherrschte. Er wurde nicht nur deswegen, sondern auch aufgrund seiner voluminösen Bibliothek mit okkulten Büchern zum Außenseiter. Er fühlte sich mit seinem Wissen befähigt mithilfe eines zweitausendjahre alten obsidischen reflektierenden Glas/Steins/Spiegels, das heute im Britischen Museum ausgestellt ist, direkt mit Gott und Engeln zu kommunizieren.
Während seiner Zeit als Composer in Residence an der Schule für Astrophysik an der Universität von Glasgow wurden Mulholland selbstverständlich auch einige seltsamen Ereignisse zugetragen : Ein von Jocelyn Bell 1967 am Mullard Radio Astronomy Observatory registriertes, alle 1377 Sekunden auftauchendes, nicht erklärbares Signal oder die kosmische Mikrowellen Raditation, die 1964 von zwei Astronomen in New Jersey als Töne wahrgenommen wurden und letzlich auch die Big Bang-Theorie bekräftigen.
Die Musik: Wie zäh dahinfließende, grau-schwarz-schillernde Magma tönen im übertragenden Sinn die Tape Loops und Drones, die Drew Mulholland für die beiden Tapes komponierte. Schon als Zwölfjähriger, wie er in den Linernotes zu The Norwood Variations schreibt, habe er mit einem Freund mit Loops experimentiert. Das Rohmaterial stammte aus Field Recordings, die in vergessenen Bunkern aus der Kriegszeit, verlassenen Industrierelikten oder neben Bahnlinien aufgenommen wurden. Die Fragmente der Industriellen Revolution dienen Mulholland als Gestaltungsmittel für eine kosmische Musik, die hier nichts Befreiendes oder Schwebendes innehat, geschweige denn kitschige Synthesizersounds, sondern ganz spröde nur dunkle Geheimnisse verspricht.
Musik als Hommage für die Visionäre aus einer Zeit, in der die Wissenschaft auch ein Lauschen in die unendlichen Weiten der nächtlichen Himmel mit abenteuerlichen Gerätschaften bedeuten konnte.
Luna Cedrón berief sich bei der Namensgebung für ihr Projekt im musikalischen Metier auf ein Gedicht der argentinischen Dichterin Alejandra Pizarnik, die ähnlich wie Sylvia Path mit psychischen Problemen zu kämpfen hatte und schließlich Suizid beging, aber in ihrem Werk eher Schönheit und Klarheit als Verzweiflung in Worte fassen konnte: Fiesta En El Vacio (Party in der Leere).
Cedrón wurde in Spanien geboren, lebte dann aber mit ihrer ruhelosen Mutter in Südfrankfreich, in Mexiko, Argentinien, Kuba und ist zwischenzeitlich in Brüssel gelandet, wo sie mit der hyperaktiven musikalischen Außenseiterszene partizipierte und auch einen bleibenden Eindruck beim letzten Kraak-Festival vor dem Covid-Lockdown 2020 hinterließ. Ihre home-made Popsongs, die sie für ihr Debut-Album für das französische Label Simple Music Experience aufnahm, huldigen dem Geist der Wohnzimmerproduktion, kleiden ihre Affinitäten – Gedichte, Synthie-Pop, Flamenco, okzitanische Folksongs in leicht melancholische, experimentelle und stilistisch abwechslungsreiche Popsongs mit einem leichten Cold Wave-Flair, die trotz aller Subtilität eine ungemein suggestive Wirkung entfalten.
Pauline Marx, die eine Hälfte des Duos La Fureur De Vouivre, verfolgt auf ihrem Debut-Solo-Album Fleur De Chagrin als Le Diable Degoutant ihrer ganz eigenen Version von “Hauntology” made in France. Die studierte Ethnologin und Feldforscherin vergräbt sich in alte Mythen aus Frankreich, Island und Irland; interpretiert überlieferte Balladen in vergessen gegangenen Sprachen mit seltsamen Instrumenten. Wie auch die Mikroszene aus dem Nürnberger Raum um Läuten der Seele, dem Gespensterland-Sampler oder Baldruin entsteht eine nicht wirklich einzuordnende Musik, die ein geheimnisvoller Zauber umrankt und zwischen Drones und Folk balanciert, aber auch, vielleicht unbewusst, die Tradition von legendären, der Art Bruit – zugewandten Bands wie Look De Bouk oder Klimperei weiterführt.
Die schwedische Formation Ehnet För Fri Musik, die sich aus Mitgliedern von verschiedenen jungen Undergroundbands zusammengefunden hat, versprüht auf Inom Dig Inom Mig keinen dementsprechend juvenilen Elan, sondern wirkt wie sie die letzten europäischen Benzodiazepin-Bestände gehamstert und konsumiert hätte, nur um dann in den Hobbykeller der Eltern hinabzusteigen und sich einem Freak-Out der anderen Art hinzugeben. Auf leisesten Sohlen wird mit Saxophon, Bass, Keyboards improvisiert. Darüber legt sich hin-und wieder die zwischen unbeteiligt und traurig wirkende Stimme der Sängerin, die die Gabe hat, den geneigten Hörer doch noch in den Bann zu ziehen. Seltsames Skandinavien.
Inspiriert von The Residents, Marc Perry, Negativland und wohl auch von Krautrock und Dada dokumentierten ab 1981, abseits der Metropolen im Französischen Süden Patrick Dekeyser und Vincent Epplay unter dem Namen DEK (Des Enregistrements K7) ihre nächtlichen Zusammenkünfte, die sich in durchstrukturierten minimalistischen Soundcollagen manifestierten. Noch deutlich von der Aufbruchsstimmung des Punks inspiriert, aber sich schon für experimentellere Ausdrucksformen interessierend, ist die Wiederveröffentlichung dieser Kassettenaufnahmen aus dem Archiv des Duos auf Jelodanti Records eine wahre Perle. Elektronische Minaturen, Xylophon, Saxophon, Gitarre, Tapeaufnahmen, surrealistische deutsche, englische und französische Lyrics, absurde Radiohörspiele und vieles mehr bekommt man zu hören. Musik, die damals wie vieles zwischen 1978 und 1982 ihrer Zeit voraus war und auch heute noch mindestens zeitgemäß und frisch klingt.
Durch die Nachwehen der Pandemie sind natrürlich speziell auch die kulturellen Einrichtungen, insbesondere die mit nicht kommerzieller Ausrichtung, in vielen Städten gebeutelt worden. Zum Beispiel: Newcastle. Die lebendige Undergroundszene um das Old Police House und das Tusk Festival muss sich gerade wieder neu erfinden, da plötzlich die Mittel und die Räumlichkeiten fehlen. Aber aufgeben gilt nicht. Richard Dawson, Mariam Rezaei und auch Jayne Dent, die als Me Lost Me mit RPG gerade ein neues Album präsentiert, tragen den DIY-Geist der experimentellen Musik made in the North East auch auf internationale Bühnen. Me Lost Me wirft traditionelle Folklore, Geschichten und Poetry, alt und neu mit den Billigtönen von Computerspielen in einen Topf, rührt das Gemisch kräftig durch und klingt so catchy wie eigen. So kann ein überlieferter traditioneller Folk-Song sich mit einem über Schlaflosigkeit, aufgrund einer Überreizung durch Videospielkonsum ohne Stilbruch ablösen, traditionelle Arrangements münden in solche mit Streichern und Synthesizern; und dazwischen singt Dent mal kurzerhand A Capella.
http://www.bezirk.bandcamp.com
http://human-geography-recordings.bandcamp.com
http://www.simplemusicexperience.bandcamp.com
Ripples
July 3rd, 2023
The Orielles – Tableau
The Orielles – Live At Stoller Hall Manchester
Joanne Robertson – Blue Car
Annelies Monseré – Mares
Delphine Dora – As Above, So Below
Esben & The Witch – Hold Sacred
Viele in diesen Tagen veröffentlichte Produktionen sind in den diversen Lockdowns der Pandemiezeit in Isolation komponiert und aufgenommen worden und klingen wie eine Nachhall dieser beklemmenden Zeit, die aber andererseits auch die Kreativität zu beflügeln schien. Unötig zu sagen, dass die sich mit den dunkleren Themen des Lebens auseinandersetzende Musik auch gut in das Jahr 2023 passt.
Vegleichbar mlt dem Liverpooler Frauen-Trio Stealing Sheep zeigen die ursprünglich aus Halifax, tief in Yorkshire, stammenden The Orielles eine erstaunliche musikalische Entwicklung – und Wandlungsfähigkeit, vom “intergalaktischen Hyper-Pop” auf ihrem Debutalbum zur Leftfield-Band mit offenem Visier in alle Richtungen.
Noch quasi im Teenageralter erspielten sich Sidonie Hand-Halford (Schlagzeug), Esmé Dee Hand-Halford (Bass, Gesang) und Henry Carlyle Wade (Gitarren, Gesang) mit ihrem aus der Zeit gefallenen melodischem Indie-Pop mit Shoegazer-Anleihen eine treue Anhängerschaft aus Nostalgiern und Frischlingen.
Die Verlegung der Homebasis nach Manchester und die inspirierenden Begegnungen mit den florierenden musikalischen Subkulturszenen der Stadt und darüber hinaus – Salford, Blackburn, you name it… – zeigte dann schnell Wirkung: Auf den nachfolgenden Alben Disco Volador und La Vita Olistica (der Soundtrack zum eignen Film. Ja, man zeigt sich vielseitig und der Kreativität sind keine Grenzen gesetzt) lassen sich schon neue und gewagtere, aus dem Indie-Kosmos ausbrechende, Ideen in ihren Songs heraushören: Dancefloor,- Krautrock-, Jazz-Punk-, 70s Disco-, Tropicalia- und psychedelische und elektronische Verschwurbelungen aller Art mischen sich in die weiterhin als catchy, sophisticated Popsongs angelegte Musik. Die diversen Lockdowns während der Pandemie verhinderte zwar La Vita Olistica auch vor Publikum präsentieren zu können, gab der Band allerdings auch die Möglichkeit ausführlich über neue Projekte nachzudenken.
Mit dem aktuellen Doppel-Album Tableau wagen sich The Orielles nochmals einige Schritte in bislang unbekanntes Terrain vor. Anleihen an Kunsttheorien, die von Eno und Peter Schmidt entworfenen Oblique Strategies und den Geist der großen Free Jazzer sind nur einige Einflüssen, die auf Tableau zum tragen kommen. Die Songs klingen dann aber alles andere als akademisch-verkopft; das Trio hat eine traumhaft stilsichere Mischung gefunden, die Improvisationen, Streicherarrangements und ihr Gespür für den perfekten Popsong in Einklang bringen. Unbedingt empfehlenswert ist auch das Tape mit einer Liveaufnahme in der Manchester Stoller Hall, ein Auftritt, der vom Plattenladen Picadilly Records und mit symphonischer Unterstützung des Northern Session Collective nochmals ein anderes musikalisches Licht auf das Repertoire der Band wirft.
Ähnlich wie die auch in einer englischen Hafenstadt aufgewachsene Teresa Winter wurde Joanne Robertson in Blackpool durch Punk bzw. dessen Ausläufer sozialisiert. Was sie neben der Malerei nun vor allem macht, ist, in Lyrics gekleidete Momentaufnahmen, die aus ihrem Tagebuch stammen könnten, in suggestive, tief von der britischen Folktradition inspirierte Songs zu übersetzen (im Gegensatz zur erwähnten Teresa Winter, die Grenzbereiche zwischen Elektroakustik und dekonstruierten Post-Rave auslotet).
Wie schon auf Painting Stupid Girls, das auf dem Label des befreundeten Hype Williams erschien, sind das mit einer halbakustischen Gitarre gespielte, rauhe, meist bewusst unfertig wirkende Stücke, die im privaten Rahmen aufgenommen wurden. Das Rauschen und andere Störgeräusche sind wohl Stilmittel, um neben Intimität eine Aura von Verlorenheit und Einsamkeit zum Ausdruck zu bringen. Auf dem aktuellen mit dem mobilen Telefon aufgenommenen Video zum Titelsong Blue Car läuft Joanne Robertson durch menschenleere Hotelgänge und Einkaufspassagen, inspiziert ihr Zimmer und sich im Spiegel des Bades in einem Anti-Selfie-Style. Anstatt gestellt-bemühte Fröhlichkeit und das Protzen mit einem großen Freundeskreis sieht man nur das Zurückgeworfensein auf sich selbst. Blue Car ist eine Huldigung der Introspektion. Der durch die Aufnahmetechnik manchmal betont verwaschen wirkende Gesang und die fragil-schrägen Gitarrenmelodien transportieren eine spukhafte Stimmung, die den geneigten Hörer unweigerlich in den Bann ziehen kann.
Annelies Monseré bewegt sich im weitesten Sinne im gleichen Fahrwasser wie Joanne Robertson, wobei die multibegabte Musikerin aus Ghent ihre Wurzeln im Slow Core, also der introvertierten Variante des Grunge hat.
Auf ihren Alben entdeckte sie aber zunehmd die experimentelleren Formen der europäischen Folktraditionen, die als Inspiration und eine dunkelschillernde Musik, die immer auch mal in Drones münden, zutage bringt. Kollaborationen mit unterschiedlichen Musikern aus dem Off-Stream-Spektrum wie Steve Marreyt im Duo Distels oder Luster ließen in den letzten Jahren ebenso aufhorchen wie ihre Solo-Alben und Live-Auftritte. Die komplexen Songs auf ihrem aktuellen Album Mares, das Kindheitserinnerungen von Ausflügen ans Meer, die aufgrund der Zeit von anderen Geschehnissen überlagert oder verblasst sind, als zentrales Thema hat, klingen trotz aller Ausgefeiltheit – die Aufnahmen entstanden über eine lange Zeitspanne von 2017-2022 – und Fragilität roh und düster.
Delphine Dora zeigt sich auch nach der Veröffentlichung ihres bisherigen Meisterwerks L´inattingible (three four records) umtriebig wie eh und je. Neben Konzerten an ausgesuchten Orten sind ihre Alben auf verschiedene Labels verstreut, so daß es nicht gerade einfach ist, einen Überblick zu behalten. Beliebig ist ihre Musik allerdings nie. Die ihr eigene Spontanität und Neugier bringen imnmer wieder unerwartete Facetten hervor. Im Gegensatz zum durchkomponieten Album L`inattingible, auf dem das ganze Spektrum ihres künstlerischen Umfelds mitwirkte und das als eine Art Zwischenbilanz betrachtet werden kann, bekommt man es bei As Above, So Below mit Delphine Dora pur zu tun. Fasste L ´inattingible alle ihre Interessen, sei es Chanson, Stücke für Orgel Solo, Poetry, Field Recordings oder Folk zusammen, überrascht sie auf As Above, So Below mit einem Konzeptalbum, das um ein deutsch und französisch vorgetragenes Gedicht von Novalis Cantique Spirituel kreist.
Rätselhaft abstrakte, spirituell angehauchte Piano-Miniaturen erinnern entfernt an die Saties Rosenkreuzer-Kompositionen. Vernebelte Gesangparts, im Hintergrund hört man Straßengeräusche, entfernt Gespräche; Naturaufnahmen von Vögelgesängen, Wind und Regen. Und alles zusammen bildet die perfekte Atmosphäre, um innerlich zwischen intimer Schönheit und mittelalterlichem Spuk hin- und her zu pulsieren.
Das Trio aus Brighton Esben & The Witch– Rachel Davies, Thomas Fisher, Daniel Copeman – das seit 2008 für eine ganz eigene musikalische Variante aus Goth, Shoegaze, Soundscapes und experimentellem Rock steht, hat sich vor einigen Jahren wie so viele andere in Berlin niedergelassen. Für die Entstehung ihres bislang fünften Albums Hold Sacred quatierten sie sich aber wie üblich an abgeschiedenen Orten ein, wie in den Linernotes zu lesen ist: Außerhalb Roms, an der Atlantikküste bei Porto, auf dem Land in Frankreich und Deutschland, um genau zu sein.
Dort fand man offenbar auch einen spirituellen Zugang zur Natur, die bei einer Band, deren Namen sich ja auf eine dänisches Gruselmärchen bezieht, immer auch eine übersinnliche Komponente vermuten lässt. Die früheren teilweise epischen Songs mit dramatischen Spannungsbögen sind auf Hold Sacred kürzeren, überwiegend einem leiseren Klangspektrum zuzurechnenden gewichen. Der markante Gesang der Bassistin und Texterin Rachel Davies ist der zentrale Kern dieser trotz Dislokation durch und durch britischen Musik, um den Gitarre und Keyboard die verschachtelten Songs ausgestalten.
http://www.joannerobertson.bandcamp.com
http://www.annelies-monsere.net
Ripples
February 11th, 2023
Firmaet Forvoksen- Undone Shal
Bloedneus & De Snuitkever – Milli Milli
Aus der auffällig vielseitigen musikalischen Szene in Stavanger kommt nach der sperrigen Solo-Platte von Gaute Granli für Ultra Eczema ein weiteres Beispiel der Kategorie Unanhörbarkeit mit Ohrwurmcharakter. Diesesmal konnte Granli Thore Warland als ähnlich veranlagten kompromisslosen Weggefährten gewinnen. Unter dem Bandnamen Firmaet Forvoksen spielen sie eine Musik, die manchmal wie eine aktualisierte Version des unbestrittenen Meilensteins von The Residents – Eskimo – klingt, denn die Fake-World Music-Songs widmen sich mit ähnlich musikalischen Mitteln den kargeren Landschaftsteilen Norwegens. Steife Winde jagen über die Tundra, ein undefinierbarer, klagender Singsang beschwört und besänftigt die Naturgeister, exzentrisches Gitarrengezupfe und rituelle Trommeleien vereinen sich zu einem alchemistisch bis zäh-dichten Klangteppich, der, mit Synthesizer-Noise angereichert, und psychedelisch verschwurbelt ständig Gefahr läuft, ins Chaos abzustürzen, dann aber doch immer wieder die Kurve bekommt und beweist, dass der Wahnsinn immer auch Methode haben kann.
Das beiliegende Poster, das Granli und Warland beim Ausritt vor einem norwegischen See zeigt, lässt uns noch mehr rätseln.
Lukas De Clerck hat sich für seine Experimente der musikalisch-transzendenten Art dem alt-griechischen Aulo als Instrument seiner Wahl verschrieben. Als Kontrast zu dem sanften Flöten, mit denen das Aulo laut Wikipedia fälschlicherweise assoziiert wird, geht es hier phasenweise laut und fast Dudelsack-Oberton-mäßig zur Sache.
Bloedneus & De Snuitkever als Künstlername kann auch wahrscheinlich nur einem Belgier einfallen und mit seinen feedback-nachhallenden Kompositionen auf der Milli Milli – LP lotet er das Klangspektrum der Kirchen, in denen die Platte aufgenommen wurde, nochmals neu aus. Das klingt als Gegensatz zum dronigen Part auch zwischenzeitlich irrlichternd-melancholisch und vortastend. Die nicht ganz unbekannten Pfade, die Lukas De Clerck mit der Verbindung von alter und neuer Musik beschreitet, passt perfekt in das Kuriositätenkabinett des Labelkatalogs von Kraak.
best of 2022
January 9th, 2023
Music
Kali Malone – Living Torch
Romain De Ferron – Ravi
Claire Rousay – Everything Perfect Is Already Here
Sourdure – ADe – Bon Astre
Jenny Hval – Classic Objects
Ivo Dimchev – various
Firmaet Forvoksen – Undone Shal
Sorry – Anywhere But Here
Michael Head & The Red Elastic Band – Dear Scott
Stealing Sheep – La Planète Sauvage
Sudan Archives – Natural Brown Prom Queen
Time Binding Ensmble – Nothing Ever New Under The Sun
The Orielles – Tableau
Maria Reis – Benefício Da Dúvida
Gwenno – Tresor
Caroline – Caroline
Dieslexic – Lexicon hall
Bezbog – Dazhbog
Tiago Sousa – Ripples On The Surface
Joana Gama / Luís Fernandes – There’s No Knowing
Moor Mother – Jazz Codes
Skillibeng – various
Lucrecia Dalt – Ay
Film/TV
Charlotte Wells – Aftersun
Olivier Assayas – Irma Vep (Series)
Vince Gilligan / Peter Gould – Better Call Saul S.6 (Series)
Emmanuael Marre / Julie Lecoustre – Rien à Foutre
Sergei Eisenstein – Bronenosets Potemkin (1925)
Alex Garland – Men
Αλέξανδρος Πανταζούδης / Αλέκος Κυράνης – Κάνε ότι κοιμάσαι
Vincent Maïl Cardona – Les Magnétiques
Martin McDonagh – The Banshees of Inisherin
Jack Cocker / Reiner Holzemer – The Colourful Mr Eggleston (2009)
Nathan Fielder – The Rehearsal
Shinji Aoyama – Eureka
Dan Kwan / Daniel Scheiner – Everything Everywhere All at Once
Elena López Riera – El Agua
Hamzy (Hahm Ji Hyung) – eating show/Mukbang (youtube)
Barbara Loden – Wanda
Jordan Peele – Nope
Park Chan-wook – Decision To Leave
Books
Louise Welsh – The Second Cut
Daniel Blaufuks – Lisboa Clichê
Joshua Cohen – The Netanyahus
Kim de l’Horizon – Blutbuch
Cosey Fanni Tutti – Re-Sisters
James Horrox – Gelebte Revolution
Sibylle Berg – GRM. Brainfuck
Hannah Arendt – Vita Activa
Ottessa Moshfegh – Eileen
Miguel Esteves Cardoso – Escríta Pop
Μιχάλης Μακρόπουλος – Η Θάλασσα
Alan Moore – Illuminations
Hilary Mantel – Wolf Hall
Peter Kurzeck – Und Wo Mein Haus?
Ioanna Theocharopoulou – Builders, Housewives, and the Construction of Modern Athens
Donna Tartt – The Secret History
Claude Lévi-Strauss – Traurige Tropen
Ana Christina Silva – À Procura Da Manhã Clara
David Graeber/David Wengrow – The Dawn Of Everything
Molly MacKenzie – Turkish Athens: The Forgotten Centuries, 1456-1832
Diogo Simões – A Zona
Lucy Cooke – Bitch
Wolfgang Martynkewicz – Das Café Der Trunkenen Philosophen
Ripples
November 14th, 2022
Tall Dwarfs – Unravelled 1981 – 2002
Nach dem Urschrei des Punks verschwanden die größten musikalischen Übel der 1970er- Jahre – Bombastrock und Disko – ersteinmal aus der Musikpresse, dem Radio und Fernsehen. Die schrägere Fraktion der nachfolgenden New Wave – oder Post-Punk-Bands experimentierte mit allem, was ihnen zur Verfügung stand, vermischte zuvor undenkbare Genres und ließ Neues entstehen. Die Säulenheiligen des Art-Rocks und damit Vorbild für das meiste, was in den wilden Jahren zwischen 1978 und 1982 produziert wurde, war aber trotzdem eine Band aus den 1960ern Jahren : The Velvet Underground. Deren Coolness und Singularität war zwar kaum zu erreichen, aber die vier Alben, die soviel Einfluss haben sollte, verkauften sich zur aktiven Zeit der Band auch nicht gut. Die Düsternis und Verschrobenheit, die die Musik der New Wave-Bands dieser Zeit ausstrahlte und verkörperte, wurde dann aber bald wieder vom Synthiepop, den New Romantics, einer aufdringlichen Ichbezogenheit und die Rückkehr zum banaleren Hedonismus abgelöst.
Und dann bekam man in der Spartensendung des favorisierten öffentlich-rechtlichen Radios plötzlich eine Vielzahl unglaublich guter Bands aus Neuseeland zu hören, die die “reine Lehre” (VU) noch linientreuer zu verinnerlicht zu haben schienen und trotzdem alle irgendwie wie aus der Zeit gefallen und eigen klangen. Jedenfalls ließ sich dadurch die sich androhende Durststrecke noch etwas herauszögern. Die intellektuell-angehauchten Verlaines, die rockigen Clean, die neo-psychedelischen Chills, The Bats, The Gordons oder das obskure, esoterische-andersweltliche Frauentrio Marie And The Atoms waren alle sehr gut. Das Label aus Dunedin Flying Nun trug die Botschaft um die Welt und in die alternativen Plattenläden. Das Bonner Label Normal veröffentlichte den einflussreichen Tuatara-Sampler und die obskuren 12”Inches aus Neuseeland fand man nun auch in Hagen (Pastell) bis London (Rough Trade). Auch die der Tall Dwarfs. Dieses Duo – Chris Knox, Alec Bathgate – klang nochmal anders als die Labelkollegen.
1980 hatten sie für eine kurze Zeit und dem Namen Toy Love einen Plattenvertrag bei Warner und veröffentlichten, inspieriert vom New Wave der damaligen Zeit, eine Platte, die floppte. Aus war der Traum und die Illusion einer Musikkarriere.Von nun an kochten sie ihr eigenes Süppchen und das speiste sich neben dem Punkspirit aus allerhand psychedelischen Substanzen.
Bathgate hatte keinerlei Ambitionen, seinen Beruf als Grafiker nochmals mit dem des professionellen Musikers zu tauschen und Knox arbeitete bei Flying Nun. Freunde und Familie waren wichtiger als Tourneen, aber den Spaß an der Musik ließ man sich umsomehr nicht mehr nehmen. Ähnlich wie Martin Newell in der südenglischen Provinz nahm man mit einfachsten Mitteln zuhause auf und produzierte Perle um Perle an genial-verschrobenen Popsongs. Die Tall Dwarfs klangen im Grunde viel mehr nach den Beatles und deren Revolver-Album als nach coolem New York City Sound; die Musik wurde aber nicht im Studio, sondern zuhause, in diversen Kellern oder live eingespielt und viele der grandiosen melodischen Songs offenbarten sich erst zur Gänze, wenn man sich die Mühe machte, hinter einem Wall Of Noise und den rohen und unperfekten Aufnahmen, die wahre Schönheit zu suchen; pure Alchemie.
Trotz oder gerade wegen der sympathischen Verweigerung für den kommerziellen Aspekt des Business wurde das Duo über die Jahre von weniger talentierten, aber ambitionierteren Zeitgenossen wie Yo La Tengo, Pavement, Bill Callahan usw. hoch gehandelt.
Die Tall Dwarfs existierten bis zu einer ernsten Erkrankung von Chris Knox bis 2002 und veröffentlichten nach den ersten sporadischen EP’s in unregelmäßigen Abständen Alben.
Fünfundfünfzig Songs kann man nun auf der längst überfälligen Kompilation Unravelled
(4 LP’s oder 2 CD’s) sich nocheinmal zu Gemüte führen und wird aufs Neue darüber erstaunt sein, wie gut Knox und Bathgate den Punk-Spirit mit einem genialem Gespür für Pop vermischten.