Ripples

February 21st, 2021

Weird Music For Weird People In Weird Times:

Cloth – Cloth
Still House Plants – Fast Edit
Joanne Robertson – Painting Stupid Girls
Andrew Wasylyk – Fugitive Light
Jon Brooks – When it Comes To Spring
David Boulter – Yarmouth
Gilroy Mere – Adlestrop
Tara Clerkin Trio – Dito

Es ist dunkel, es regnet und es ist garstig. Wir werden älter und hässlicher, dicker, grauer und vielleicht kahler. Alles stagniert und die digitalen Ersatzhandlungen machen uns auch nicht unbedingt glücklicher. Bleibt die Musik, und beim Hören von sehr unterschiedlichen Platten aus dem britischen Underground stellt sich die Frage: Bleiben die Engländer nach der absoluten Miserie, die sie sich eingebrockt haben, wenigstens ihrem Faible fürs Exzentische treu?

Das Glasgower Trio Still House Plants, das sich an der dortigen Uni im Kurs für Fine Arts kennenlernte und das auch das letztjährige genre- und länderübergreifende Counterflows-Festival kuratiert hätte, wenn es denn stattfinden hätte können, legt mit Fast Edit ein neues Album vor, das ihren ultraminimalistischen Stil zwischen Punk, Jazz und – als Kontrapunkt – melodischem Gesang wie schon auf diversen Tapes und dem Debut auf die Spitze treibt und hier perfektioniert. Die jeweiligen Anfänge und Enden der Songs werden festgelegt, ansonsten wird die Musik, so Sängerin Jessica Hickie Kallenbach in einem Interview, ganz im Sinne einer Assemblage, um einen Begriff aus der Kunst zu bemühen, durch spontanes Zusammenfügen und Aufbauen von unterschiedlichen Ideen und Parts auf einer Grundlage entwickelt.
Die Reduziertheit ihres Equipments und Auftretens kann wie bei dem Konzert beim Brüsseler Kraak Festival soweit führen, dass der spindeldürre Gitarrist Finlay Clark im Wife Beater-Shirt gekleidet musiziert. Der Schlagzeuger David Kennedy setzt den einen oder anderen jazzigen Akzent, die Gitarre fräst ganz im Sinne eines Mayo Thompson in seinen besten Red Crayola-Tagen, etwa auf Soldier Talk, repetiv bis zum Punkt der Frustration punkig-disharmonische Miniaturen, die Sängerin füllt die Lücken mit einem gewissen Pop-Appeal. Melodiös, aber nicht lautmalerisch, schräg, aber nicht artifiziell ist sie, auch durch ihre Texte, das zusammenhaltende Element in der Musik der Still House Plants. Jessica Hickie-Kallenbachs schräg-souliges Timbre ist aber nicht ausschließlich dafür verantwortlich, dass die Musik des Trios auf den 13 Stücken von Fast Edit nicht zu einer reiner Kopfangelegenheit wird, nein, es ist auch die mit einer nicht zu kleinen Portion anarchischer Unbeherrschtheit ausgestattete Spiellust von Kennedy und Clark. Die große Zeit der Art-School-Bands endete in Großbritannien vermeintlich mit Pulp und Jarvis Cocker, jetzt scheint es aber erste Anzeichen für eine Rennaissance zu geben.

Auch eine direkte Verbindung nach Glasgow (und zwar zu dem Label Laura Lies In) und eine vage zum Jazz hat das Bristoler Tara Clerkin Trio aufzuweisen. Die inzwischen von einer Großformation tatsächlich zu einem Trio geschrumpfte Band um Tara Clerkin und die beiden Brüder Sunny-Joe Paradiso und Patrick Benjamin ist der kleinen, aber aktiven Szene der 2010er Jahre um das Howling Owl Veranstaltungskollektiv und den Plattenladen Stolen Recordings entsprungen. Die ursprünglich bis zu achtköpfige Formation setzte sich aus diversen anderen Bands zusammen und spielte eine Art Psych-Folk. Die Musik, mit der das Tara Clerkin Trio nun auf dem gleichnamigen Album liebäugelt, hat neben losen Jazzelementen und labyrinthisch angelegten Popsongs mehr mit den versponnenen, latent surrealen Songcollagen von wegweisenden Bristol-Bands wie Movietone, Crescent oder Third Eye Foundation gemein. Immer auf der brüchig-fragilen Seite und auch andere Einflüsse, von Dub bis Arthur Russell und Steve Reich, nicht verleugnend, hat die Musik von Tara Clerkin neben aller Komplexität auch eine leichte, luftige und verfüherische Note mit Ohrwurmcharakter.

Wie die Still House Plants studierte auch die aus dem für das Vergnügen der Arbeiterklasse berühmt-berüchtigten Seebad Blackpool stammende Joanne Robertson an der Glasgow School of Art. In Schottland malte sie nicht nur “Portraits dummer Mädchen”, sondern führte ihre in Noisebands wie I Love Lucy praktizierten ersten musikalischen Gehversuche in eine andere, individuellere Richtung. Das neue Album, auf Dean Blunts World Music – Label erschienen, ist nach Black Moon Days und The Lighter eine weitere Steigerng: Ihre ausschließlich mit halluzunatorischem, intimen Gesang, der wie in ein Diktiergerät hineingesungen klingt, akustischer Gitarre und viel Reverb gesungene und gespielte Musik hat eine eigenartige, leicht befremdliche Sogwirkung.

Man fühlt sich atmosphärisch an Sybille Baiers Colour Green-Album, das diese Anfang der 1970er Jahre nach einer persönlichen Krise, die sie zu einer Art Lenzscher Pilgerreise durch die Vogesen bis nach Genf aufbrechen ließ, im intimen Rahmen aufnahm und das eine pure, endgültige Traurigkeit und Einsamkeit ausstrahlte. Auch Adrianne Lenkers aktuelles “Confinement-Album”, ein einer abgelegenen Hütte aufgenommen, geht in eine ähnliche Richtung.
Andererseits wohnt den Songs von Joanne Robertson stets eine abstrakte Note inne, eine, die vielleicht dem Kunststudium geschuldet ist und die eine faszinierende kristallene Klarheit, fernab von Folkwaisen und wohliger Melancholie verkörpert. Painting Stupid Girls: vielleicht das introspektivistische Album seit Dan Treacys The Painted Word, zeitlose Songs voll dahintreibender Schönheit, die nicht ganz von dieser Welt ist.

 

Cloth ist ein Glasgower Trio, das die Geschwister Rachael (Vocals, Guitar, Bass, Drums, Percussion) und Paul Swinton (Guitar, Bass) mit Clare Gallacher (Drums, Percussion) ins Leben riefen und das die Magie vom endlosen Üben, Experimentieren und Aufnehmen mit einen 4-Track -Recorder im Schlafzimmer in ein Studio transferierten und eine traumwandlerisch perfekte Platte einspielten. Schwer zu beschreiben, diese verhangene, melancholische, trotzdem kristallklarene Stimmung, die Cloth mit sparsamsten, aber melodisch grandiosen Elementen hinbekommen. Die ruhigen, aber einnehmenden Vocals von Rachael Swinton werden von klaren Gitarrenlinien, melodischem Bass, zurückhaltende Drums und feinen, unterkühlten elektronischen Synthieschlieren begleitet. Klingt nun nicht gerade bahnbrechend neu, aber das Album hat ein Flair, das vielleicht, so die Vermutung der Betreiber des dortigen wichtigsten Plattenladens Monorail, auch ein bißchen dem schlechten Wetter und dem Vitamin D-Mangel der schottischen Metropole geschuldet ist.

 

Fugitive Light And Themes Of Consolation ist das dritte Album von Andrew Mitchell aka Andrew Wasylyk, der die Landschaft um seine Heimatstadt Dundee als Inspiration für seine manigfaltigen Ausflüge in unbekanntes oder vertrautes Terrain, eben auch musikalischer Art, nimmt. Als thematischer Überbau dient diesesmal die Mündung des Tay und deren Ansiedlungen. Wasylyk interessiert sich für die Stimmung der suburbanen verlassenen Straßen bei Sonnenaufgang, die noch erhaltenen oder schon von der Natur zurückeroberten Fabrikgebäude der Textilindustrie, den Gezeitenwechsel, das spärliche Licht über den weiten Feldern und der Lauf der Dinge im allgemeinen. Anders als die z.B. mit Symbolen und der Aura des Verlustes aufgeladene Musik eines Richard Skeltons oder den post-industrialistischen Klanggebilden von Zoviet France packt Mitchell all diese Eindrücke in einen Songzyklus, der mit einer Patia der Vergangenheit versehen, sich der Gegenwart stellt. Die Jazzeinflüsse zeigen sich in den Arrangements und dem unter vielen Instrumenten prägnanten Fender Rhodes Piano: Musik, die stellenweise die beseelte Musik einer Alice Coltrane zu zitieren scheint, aber auch in der Traditon der intimeren Alben von Talk Talk und den esoterischeren, pastoralen Zweig der Ambient Music steht.
Das im weitestgehenden Sinn sich dem Jazz und Soul mit seinen vielen Nebenzweigen verschriebene Edinburger Label Athens Of The North ist der ideale Heimathafen für solch uneinsortiebare Musik mit starker individuelller Note.

Frances Castles Atelier und kleiner Laden befindet sich tief im Londoner East End, unmittelbar neben dem zur Olympiade errichteten London Stadium und nicht weit von den Hackney Marshes im Lower Lea Valley entfernt, wo sich vor der großen Gentrifizierungswelle psychogeographisch Interessierte und passionierte Leser von J.G. Ballard vorzüglich auf die Spurensuche nach den Hinterlassenschaften früherer Industriebauten, überwachsenen Suburbs begeben oder auch dem Autobahnring London Orbital weiter folgen konnten. Ihr Label Clay Pipe Music feiert mit den Represses der ersten beiden Alben das zehnjährige Jubiläum: Die damals noch auf CD erschienen Platten – ihr eigenes Hardy Tree – Projekt und Michael Tanner & Kerrie Robinson – entstanden noch bevor Vinyl, zuerst von Mikrolabels, dann von den dahinsiechenden Majors als Marktlücke, um alte Titel nochmals vermarkten zu können, wieder als cool galten.


Die ausgesuchten, drei bis vier Platten pro Jahr, die die ansonsten als freie Illustratorin tätige Frances Castle auf ihrem Label veröffentlicht, sind zum einen durch ihre unverwechselbare Hüllengestaltung, aber auch durch eine ähnliche Auffassung von Musik der diversen Künstler unschwer als Clay Pipe-Produktion zu erkennnen.

Mit Ausnahme des Schweden Peter Olof Fransson eint die Musiker eine Sehnsucht, die verschwundende Geschichte und Kultur Großbritanniens, wenn schon nicht festzuhalten, doch zumindest zu hommagieren.
Dabei geht es nicht um einen Bewahrungskonservatismus, sondern eher um die verlorenzugehende Diversität der urbanen Architektur und kulturellen Mikroszenen: Freiluftbäder, die eingestellte Londoner Busverbindung in die Vororte The Green Line, eine Spukgeschichte im Zusammenhang mit einem Leuchtturm, ein früheres Feriendomizil werden da schnell zu erstrebenswerten imaginären Reisezielen. Die fast ausschließlich instrumentale Musik, oft mit pastoralen Untertönen und von ruhiger Natur, dreht sich thematisch um Lost Places; Musik, die eher verschrobene Sonderlinge mit Minderheitsinteressen als Millenials auf der Suche nach hipper Hintergrundsmusik anzieht.
als Londonerin kennt Frances Castle viele dieser Lost Places. So berichtet sie in einem Interview für Ian Preeces Buch über Untergrundlabels Listening To The Wind (Omnibus Press), dass von den Orten, wo ihre Ahnen wohnten oder arbeiteten in solch einer dynamischen Stadt wie London oft nur noch vergilbte Fotos und vage Erinnerungen übrig geblieben sind. Wo Verwandte im East End oder Baltic Wharf in den Werften schufteten, stehen heute moderne Reihenhäuse oder die Tate Gallery.

Clay Pipe – Veröffentlichungen sind mittlerweile nach der Pre-Sale-Ankündigung auf der Webseite meist innerhalb weniger Stunden ausverkauft. Die Realtität ist aber auch, dass die Erstauflagen gerade mal 700 -1000 Exemplare betragen und mit der einen oder anderen nachgeschobenen Zweitauflage von 300-500 Stück die Nachfrage auch gedeckt ist. Trotzdem, so Frances Castle, scheint in dieser so anstrengend wie merkwürdigen Zeit eine größere Sehnsucht nach Innehalten, der Möglichkeit, sich komplexeren Dingen widmen zu können und auch die, bewusst unabhängige Künstler und Institutionen zu unterstützen, zu entstehen.

Gilroy Mere (aka Oliver Cherer) inszeniert auf seinem zweiten Clay Pipe- Album Adlestrop erneut gekonnt die leicht geisterhafte Stimmung, die man von The Green Line kennt. Diesesmal diente ihm eine stillgelegte Bahnlinie mit seinen verwaisten Bahnhöfen und Haltestellen als Inspiration, Ein Gedicht von Edward Thomas, singend vorgetragen, führt in das Thema ein:

Yes. I remember Adlestrop
The name, because one afternoon
Of heat, the express-train drew up there
Unwontedly. It was late June.

The steam hissed. Someone cleared his throat.
No one left and no one came
On the bare platform. What I saw
Was Adlestrop—only the name

And willows, willow-herb, and grass,
And meadowsweet, and haycocks dry,
No whit less still and lonely fair
Than the high cloudlets in the sky.

And for that minute a blackbird sang
Close by, and round him, mistier,
Farther and farther, all the birds
Of Oxfordshire and Gloucestershire.

Cherer fand in Adlestrop nur noch ein altes Plattformschild vor, das nun in den Unterstand einer Bushaltestelle integriert war. “Aber, all die Vögel von Oxfordshire und Gloucestershire sangen immer noch, wie Geister aus dem Gedicht von Thomas.” Mit einem digitalen Rekorder und einem Handbuch über die Bahnlinie ausgestattet, begab sich Cherer auf weitere Spurensuche. Die nicht mehr existierende Bahnlinie fuhr einstmals öffentliche Schulen, Fähren, Minen und sogar ein Asylium an. Ein Park, mit Hotel und Straßen, der nie zuende gebaut wurden und die heute überwachsen sind oder zu Parkplätzen umfunktioniert wurden; die Hinterlassenschaften einer lange vergangenen industriellen Vergangenheit finden sich im Überfluss. Cherer reagierte zuhause auf seine Eindrücke in bester Ghost-Box – Manier und komponierte mit den gesammelten Feldaufnahmen und seinen Instrumenten eine mit Folk- und Retroelektronikelementen durchsetzte Musik, die eine Verbindung von der Vergangenheit zur Gegenwart herzustellen vermag und wunderbar dem Eskapismus frönt.

Das frühere Mitglied der Tindersticks David Boulter war maßgeblich für die unverwechselbaren Soundtracks der Band für Claire Denis verantwortlich. Nun, seit einigen Jahren in Prag lebend, spezialisierte sich Boulter intensiver auf diesem Gebiet, ohne scheinbar die subkulturellen Bewegungen außer acht zu lassen. Für sein Clay Pipe- und sein ersten Solo-Album begiebt er sich nochmals an den traditionellen Ferienort seiner Kindheit Yarmouth zurück und beschwört die Zeit in den siebziger Jahren in einem britischen Seebad herauf. Obwohl auch dort der Zahn der Zeit vieles zum Verschwinden oder zumindest Verwittern brachte, hat sich Boulter zumindest seine gespeicherten, leicht wehmütigen Erinnungen an unbeschwerte Sommer, Fish & Chips-Shops, die an diesen ebenfalls höchst interessierten Möven, die Amusement Arkaden und die Strände bewahrt.
Nicht verwunderlich bei der Vorgeschichte von David Boulter, dass er das Album filmisch-erzählerisch komponierte. Mit überwiegend akustischem Instrumentarium – Lowrey Organ, Gitarre, Flöte, Violine, Kontrabass, Vibraphon – geht es vom Sandstrand zur Flower Clock, nachdem er bei Trudy vorbeigeschaut hat, spaziert man auf der Marine Parade zur Milk Bar, nur um dann im Tower Ballroom sich die Roller Skates anzuschnallen; auch der Roller Coaster Ride muss unbedingt sein.
Träumerisch, in leicht vernebelter Stimmung ist das Seelenbalsam für den notgedrungen zum Armchair Traveller degradierten Zeitgenossen. Yarmouth passt damit geradezu perfekt in das Clay Pipe – Labelprofil über reale, verschwundene oder imaginäre Orte.

 

Jon Brooks ist ohne Zweifel der Tausendsassa der musikaffinen Hauntology- und Psychogeography- Gemeinde, sowohl als Musiker als auch als Prodzent. Mit dem Ghost Box-Label, das er gründete und mitbetreibt, wurde britische Nachkriegsfernsehkultur, von der Library Music zu den Public Information Films, ironisch gebrochen wiederbelebt und auch aktualisiert. Dies hatte selbstredend auch Einfluss auf andere Genres als die musikalische Subkultur. Mark Fisher fasste das unter dem Oberbegriff Hauntology zusammen. Mit Advisory Circle tritt Jon Brooks genau in diese Fußstapfen von dieser spröden, latent überspitzten staatlichen Informationsvermittlung mittles Understatement, und zwar zu opulenter und verquerer Synthesizermusik. Auf dem Sub-Label Cafe Kaput (sic) veröffentlicht Brooks seine filmmusikalischen Stücke. Auch hier geht es scheinbar geordnet und thematisch zu: Applied Music: Land & Sea oder Applied Music: Science & Nature zum Beispiel, Musik zwischen experimentellem Ambient und elektronicher Avantgarde.
Die inzwischen vier Veröffentlichungen für Frances Castle unter seinem eigenen Namen wirken dagegen introvertierter, verspielter, genreübergreifender. Das aktuelle Album – How To Get To Spring – lotet die Stimmungen und Gefühlzustände aus, die der Übergang von einem harten Winter
zum Frühling mit seinen leeren, dramatischen Himmeln und einem zarten Versprechen auf etwas Wärme und Licht mit sich bringt. Das klingt gerade wie eine Metapher für die Sehnsucht nach
dem Ende des Ausnahmezustandes.
Meisterlich konstruiert aus Aufnahmen von Wanderungen und einer Vielzahl von akustischen Instrumenten und sublimen elektronischen Meditationen, pulsiert die Musik zwischen warmen, melodischen und abstrakteren Parts mit dramatischen Wendungen und Zuspitzungen; von Stücken mit einem leichten Folk-Touch zu kosmischen Ausflügen und wieder zurück auf den Boden.

http://www.claypipemusic.co.uk

https://lauraliesin.bandcamp.com/album/tara-clerkin-trio

https://doulikeworldmusic.bandcamp.com/album/joanne-robertson-painting-stupid-girls

https://www.lastnightfromglasgow.com/artists/cloth/

https://bison-records.bandcamp.com/album/fast-edit

https://andrewwasylyk.bandcamp.com/album/fugitive-light-and-themes-of-consolation

Ripples

January 10th, 2021

Polido – Sabor A Terra / A Casa E Os Cães
Joana Guerra – Chão Vermelho
Drumming GP, Joana Gama, Luís Fernandes – Textures & Lines
Joana Gama – Travels In My Homeland

A Casa E Os Cães ist ein Film von Madalena Fragoso und Magarida Meneses, für die der in der heterogenen Lissaboner Experimentalszene als DJ und Soundkünstler aktive Polido den Soundtrack komponierte. Soundtrack beschreibt auch gut die dramaturgische und erzählend wirkende Musik von Polido, den es nun auch vom Atlantik nach Berlin verschlagen haben soll.

In einer schön gestalteten Box als Doppel-Kassette, zusammen mit einem anderen Album – Sabor A Terra – auf dem Holuzuam-Label erschienen, fließen in den meist ruhigen und eine kühle nächtliche Stimmung ausstrahlenden Stücken unterschiedliche Klangkomponenten und Stile zusammen: Die düsteren Bässe im Geiste der Hyperdub-Gründer geben den idealen Background für die feingesponnenen, geheimnisvoll bis exotischen Klanglandschaften, die Polido mit akustischen, pastellenen Gitarrenminiaturen als Kontrapunkt in Szene setzt. Samples oder Feldaufnahmen, die mit zwei Grundelementen – Wasser und Feuer – spielen, tauchen immer wieder als durchgehendes Thema auf, bei anderen Stücken werden Filmdialoge in jazzaffine Arrangements oder elektroakustische Exkursionen eingebettet.

Auf Joana Gamas vielseitiges musikalische Schaffen wurde in den Mikrowellen schon öfters hingewiesen. Beinahe als Solitär überschreitet die klassisch geschulte Musikerin gerne und scheinbar mit Leichtigkeit die gewöhnlich eng abgesteckten Grenzen der Neuen Musik – und Avantgardegenres.

Ihr klassisches Pianoalbum Travels In My Homeland widmet sich den Werken zweier Komponisten, die sich stark mit der Indentität ihres Heimatlandes Portugal auseinandersetzten: Amílcar Vasques-Dias (1945 geboren) und Fernando Lopes-Graça (1906-1994). Beide Musiker arbeiteten sich in ihren Werken direkt oder in abstrakter Weise an der Vereinnahmung der portugiesischen Kultur durch den Estado Novo ab, dessen bleierndes Regime zu Beginn des musikalischen Schaffens von Lopes-Graça an die Macht kam. Erst zu Beginn der 1970er als Vasques-Dias in den Haag studierte, begann der allumfassende Einfluss zu bröckeln, was schließlich 1974 zur “Nelkenrevolution” führte.
Lopes-Graças Bestreben war es immer, mit seiner Musik einen nationalen kollektiven Geist zu kreieren, der fern von Propaganda und Tourismuskitsch angesiedelt war. So bezieht sich eine nicht unbeachtliche Anzahl seiner Kompositionen auf folkloristische Songs, die, seiner Meinung nach, das Innenleben seiner Landsleute spiegelten. Beeinflusst von Modernisten wie Hindemith, Stravinsky, Schönberg und Bartok stellt seine Musik eine durchaus eigenwillige Verbindung von Avantgarde und Tradition her.
Vasques-Dias wurde zuerst durch Cândido Lima in Porto und dann von Louis Andriessen, Peter Schat und Jan van Vlijmen in den Niederlanden geschult. Seine Vorlieben sind dann auch in der Neuen Musik und bei Xenakis und Stockhausen auszumachen.
Die Gegenüberstellung zweier Komponisten aus unterschiedlichen Generationen mit der gleichen Thematik darf als geglückt bezeichnet werden, gerade auch in der Interpretation von Joana Gama, die vielleicht durch ihr gleichzeitiges Musik- und Balletstudium sowohl Zurückhaltung wie Expressivität in die Pianostücke einbringt.

Auf ein komplett anderes Terrain begibt sie sich mit ihrem schon bei diversen anderen Projekten bewährten musikalischen Partner Luís Fernandes auf dem Album Textures & Lines. Man erinnere sich: Quest (2014) setzte Piano und Electronics in Einklang und Konstrast und lotete mit eigenen Kompositionen den Geist von Cage, Tudor, Satie und Ambient Music aus, nur um diesen in eine neue, zeitgemäße Richtung zu lenken. Auf Harmonies (2016) erweiterte das Duo ihr Konzept dahingehend, dass man zusätzliche Gäste einlud. Mit dem Cellisten Ricardo Jacinto gelang das ebenso auf in den Bann ziehende Weise wie auf dem Album mit dem Orchestra de Guimarães At The Still Point Of The Turning World. Letzteres stellte das “Harmoniekonzept” der vorherigen Alben mit einer ständig in Bewegung und zwischen Disharmonie und Wohlklang pendelnden Musik geistreich in Frage. Bei Textures & Lines nun trafen sich die Perkussion-Formation Drumming GP aus Porto (João Dias, João Miguel Braga Simões und Miquel Bernat) nun mit Gama und Fernandes, um die kleine Serie mit den gedachten Hommagen an die Zen-Meister und Säulenheiligen der Neuen Musik fortzusetzen.

Die vier Kompositonen sind von einem ständigen Herantasten und Experimentieren bestimmt und von ähnlicher, suggestiver Qualität wie die Musik auf den vorherigen Alben. Auf leisen Pfoten daherkommend zaubern Gama, Fernandes und Drumming GP eine Musik, die einerseits nur im Raum zu schweben scheint, sich aber nicht verflüchtig, sondern sich mit hypnotischer Wirkung nachhaltig ins Gedächtnis einpräg. Keine ganz einfache Aufgabe, Schönheit, Experimentiergeist und Dringlichkeit in der Musik wie hier zu vereinen.

 

Joana Guerra ist eine weitere Außenseiterin, die dem Musikkonservatorium entsprungen ist, aber eine unkonventionelle Laufbahn einschlug. Die gelernte Cellistin ist fester Bestandteil der freien Improvisationsszene in Lissabon, spielt aber auch in zahlreichen Bands mit, von Free Folk-Formationen bis zu psychedelischen Rockbands. Als Solokünstlerin legt sie nun mit Chão Vermelho ein neues Album vor, dass wie schon der Vorgänger Cavalos Vapor thematisch tief in die archaischen und zwischenweltlich angehauchten Begebenheiten des Lebens außerhalb der urbanen Zentren eintaucht. Ihren Wohnort verlegte sie von der portugiesischen Hauptstadt in das Hinterland von Torres Vedra, früher geprägt von Porellan- und Ziegelfabriken.

Dies ist eine raue und spröde Landschaft, die sich bei starkem Regen scheinbar durch die Hinterlassenschaften rot einfärbt und eine mit Rinnsalen, Rissen und Kratern durchzogene Wüste entstehen lässt. Eine Metamorphose, ein Spiegelbild für eine Natur im Ausnahmezustand, die Joana Guerra so beeindruckte, dass sie ein Konzeptalbum über diese intensive und suggestive Landschaft komponierte.
Ihre Songs wirken auf Chão Vermelho dementsprechend noch direkter, rauher und existenzialistischer als auf ihren anderen Alben. Zwischen imaginären Folksongs, vage von traditionellen Liedern aus Finland, China und Indonesien inspiriert und experimentellen Exkursionen schafft es Joana Guerra mit Cello und Stimme eine ganz und gar eigene Musik entstehen zu lassen, die nach dem ersten Hören noch lange nachschwingt.

Holuzam Polido
Holuzam Textures & Lines
Travels In My Homeland, Portuguese Piano Music
Chão Vermelho

Ripples

December 4th, 2020

 

The Nightingales – Four Against Fate

 

Ob Stewart Lees und Michael Cummings liebevolles Filmportrait King Rocker (Fire Records) Robert Lloyd und seine Band The Nightingales vom schmeichelhaften wie ärgerlichen Ruf, ein ewiger Geheimtipp und eine Birminghamer Version von The Fall zu sein, befreien kann, darf zwar bezweifelt werden, aber so what? Der noch ganz vom Punk inspirierten Vorläuferband The Prefects attestierten die Musikblätter schon eine gewisse Verschrobenheit. Nachdem die Band 1977 als Support von The Clash unterwegs war und durch das elitäre Gehabe der Stars im Schnelldurchlauf vom Musikbusiness desillusioniert wurde, war den Mitgliedern gleich klar, dass sie einen anderen Weg einschlagen wollen. Mit der Metamorphose von The Prefects zu The Nightingales öffnete sich auch das Visier für andere Einflüsse. Eine durchaus nicht abwegige Verknüpfung von experimentellem Rock, Rockabilly, vertracktem Folk und Country, mit Drive und Energie gespielt, lässt die drei ersten Alben heute als absolute Klassiker des Post-Punks und markantes Zeugnis der Birminghamer Musikhistorie dastehen. Robert Lloyds phonetisch nicht zu überhörendes Organ und seine gleichsam textmächtigen trocken und ironischen Betrachtungen des scheiternden Lebens im Allgemeinen und des des britischen Midländers im Speziellen bescherten The Nightingales, Undergroundstatus hin oder her, eine treue Anhängerschaft. Die Inspirationen für die Lyrics schnappt Lloyd bevorzugt in Pubs als Mithörer von Konversationen auf. Die zahlreichen Anspielungen und Querverweise und die Brechungen haben gerüchteweise schon zu manchen, mitunter nächtelangen Diskussionen und Interpreationsversuchen geführt.

Ende der 1980er löste sich die Band auf, Robert Lloyd versuchte sich solo als Crooner (Robert Lloyd and The Four Seasons), Labelbetreiber und Produzent. Mit der Veröffentlichung von We’ve Got A Fuzzbox And We’re Gonna Use It landete Vindaloo Records sogar einen richtigen Indie-Hit. Gleichzeitig entdeckte Lloyd seine Affinität für andere unkonventionell agierende Musikerinnen. Veröffentlichungen, Gastauftritte auf den Platten und Kollaborationen mit u.a. Poppy & The Jezebels, Hotpants Romance (beide der Birminghamer Szene entsprungen), Gina Birch, den klassisch geschulten Musikerinnen Katherine Young und Clara Kebabian oder den beiden New Yorkerinnen Christy & Emily geben den Platten der Nightingales seit der Wiederbelebung der Band Anfang der 00er Jahre einen schönen subtilen Kontrapunkt zum typischen “Gales Sound.
Die aktuelle Stammband – Robert Lloyd, Andreas Schmid, James Smith und die Schlagzeugerin Fliss Kitson, die sich auf den letzten beiden Alben die Gesangparts mit Lloyd teilt – wirkt versierter denn je: Das aktuelle Album Four Against Fate klingt wie auch schon der Vorgänger Perish The Thought wie aus einem Guss und zeitlos. Die letzten Alben wurden alle im Klangbad-Studio von Ex-Faustler Hans-Joachim Irmler, auf dessen Label man ja auch schon veröffentlichte, aufgenommen. Four Against Fate wurde gar von Stuart Moxham (ehemals Young Marble Giants) gemastert.
Die zwölf Songs stehen ganz in der eigenen Tradition. Rhythmuswechsel am Laufmeter, Breaks und Wendungen, Refrains zwischen catchy und schräg, zahlreiche musikalische Zitate, verpackt in eine raue und direkte Produktion, all das kennt und schätzt man an The Nightingales. Die abwechselnden bzw. bei einigen Stücken sogar gemeinsamen Gesangsparts von Robert Lloyd und Fliss Kitson geben den Songs aber eine gewisse Unberechenbarkeit, die immer wieder aufs Neue überrascht. Unbedingt besorgen sollte man sich auch das als Fanzine angebotene Textheft von Four Against Fate. Da kann man dann bei der nächsten Diskussionsrunde punkten.

http://www.thenightingales.org.uk

 

 

Ripples

November 8th, 2020

Kuupuu – Plz Tell Me
Cassini Division – Eta Carinae
Miaux – Black Space, White Cloud
Vica Pacheco – Symplegmata
Orphan Fairytale – Titania Moon
Orphan Fairytale – Tune In Tree Ears

 

Zweifellos ein Scheißjahr! Am letzten Tag im Februar und am ersten im März ließ sich während der 2020er-Ausgabe des allseits geschätzten Kraak-Festivals in Brüssel das sich ausbreitende Unheil schon erahnen, die weitreichenden Folgen und Konsequenzen waren aber natürlich noch nicht in ihrer ganzen Bandbreite absehbar. Seit dem Frühjahr ächzen insbesondere aber auch Künstler, Labels und Organisatoren unter der Situation. In den Katakomben des musikalischen Off-Stream-Untergrunds wo Geld immer schon Mangelware oder gar nicht erst vorhanden war und ist, reagieren die Musiker und Labels nichtsdestotrotz mit verstärkten Aktivitäten. Pläne müsssen zwar permanent über den Haufen geworfen oder angepasst werden, aber da gerade nichts mehr einen Sinn ergibt, werden weiterhin Platten veröffentlicht und zwischen dem jetzigen und nächsten Lockdown wird an neuen Projekten gefeilt.
Die beiden wichtigen Aushängeschilder und Vernetzungsspezialisten der belgischen Außenseitermusik – Dennis Tyfus’ Ultra Eczema – Label in Antwerpen und die Crew von Kraak in Gent/Brüssel – erweitern allen Widrigkeiten zum Trotz ihre Sammlung für sonderbare Musik und bescheren dem zugeneigten Hörer – wahlweise im Home Office oder in der systemrelevanten Gefahrenzone – inspirierende Musik, komponiert und aufgenommen von in der Welt verstreuten Lonern. Ob man die Musik dann bei einem Festival auch live und gebündelt bei einem der Festivals der Labels erleben kann…who knows?

 

Eva Van Deuren taucht in ihrer Musik, die sie unter ihrem Künstlernamen Orphan Fairytale mit Tonbandschleifen, Kassetten, Synthesizern, Spielzeug- und selbst gebauten Instrumenten, und neuerdings einer Harfe komponiert, in eine Innenwelt ab, die einerseits einen wundersamen Zaubergarten suggeriert, anderseits psychedelisch – verzerrt auch den einen oder anderen ungemütlichen Schauer heraufbeschwört. Seit ihrem letzten, bemerkenswerten Doppelalbum mit vier langen, Minimal Music-affinen Stücken auf Aguirre Records sind einige Jahre ins Land gezogen. Nun beglückt Eva Van Deuren die “Community” gleich mit zwei neuen Alben.
Die sinister dreinschauenden Puppen, die das Cover von Titania Moon (Ultra Eczema) schmücken und die eines ihrer Markenzeichen sind, werden den Hörer garantiert in dem einen oder anderen Albtraum heimsuchen und verschüttet gegangene Kinderheitserinnungen heraufbeschwören. Zwischen tiefenentspannter Schönheit, veredelt mit einem Hauch “Musik zum Ende der Zeit” und blubbernder Unweltlichkeit, direkt aus der Opiumhöhle, findet man sich nach einer guten halben Stunde intensiven Hörens auch in einem Perfumed Garden wieder.

Auf Tune in Tree Ears (Kraak) führt Eva Van Deuren ihre Musik sachte in eine neue Richtung. Das hat einerseits damit zu tun, dass die Stücke für Harfe geschrieben wurden und das filigrane, akustische Element hier als Gegenstück zu den labyrinthisch angelegten, elektronischen Kompositionen fungiert bzw. größeres Gewicht hat. Weniger auf das große Drama und unterschiedliche Gefühlsaggregatzustände angelegt als Titania Moon, können auch diese feingesponnenen, melodischen musikalischen Skulpturen die Sinne schärfen. Willkommen in den wunderbaren Zwischenwelten der Eva van Deuren (siehe oben).

Besinnlichkeit ist nicht unbedingt das hervorstechende Merkmal von Jonna Karanka aka Kuupuu bzw. deren Musik. Die in finnischen Postpunkbands wie Avarus und den brillianten Olimpia Splendid aktiv gewesene Künstlerin, setzt auch bei ihrem Solo-Projekt Kuupuu auf kurze Aufmerksamkeitsspannen und krasse Stilbrüche. Plz Tell Me, schon als Tape im Umlauf, wurde für die LP-Version erweitert und teilweise neu abgemischt. Wie ihre finnischen Seelenverwandten Nalle, Lau Lau oder Islaja scheint auch Jonna Karanka ein nomadenhaftes Gen zu besitzen, das sie ruhelos durch die internationalen Untergrundszenen ziehen lässt.

Die belgisch-finnische Verbindung ist in dieser Hinsicht eine besondere und fast schon traditionelle, insbesondere mit der Fonal-Clique besteht ein reger Austausch. Plz Tell Me steht für einen schräg zusammengeklebten und verschwurbelten musikalischen Flickenteppich der Marke “quer durch den Genregarten”: Dub trifft also auf Disco, Schlagerfetzen auf Folk, Noise auf Stimmengewirr und so weiter. Eine Kraak-Produktion, die auch auf der Tanzfläche funktioniert? Das ist auch ein Novum.

Mia Prce aka Miaux widmet sich auf ihrer dritten LP für Ultra Eczema Black Space, White Cloud wieder ganz dem Ausloten und Nuancieren verschiedener Grade der Melancholie. Als Tochter zweier Maler kam sie als diese von Sarajewo nach Belgien zogen früh mit der Antwerpener Kunstszene in Kontakt und genoss später eine sogenannte klassische musikalische Ausbildung. Zudem wurde sie von ihren Eltern mit einer Diät an Krautrock und deutscher elektronischer Musik gespeist. Ihre Musik ist also nicht von ungefähr von barocker Schwere. Ihre Songs komponiert und spielt Mia Prce aber anstatt auf einem Flügel oder teurem Keyboard auf einem billigen Casio-Synthesizer, was einerseits von einer guten Portion Humor zeugt und andererseits die Schwere der Musik in bester Punkmanier bricht.

Wie auch schon mit den beiden vorherigen Alben – Hideaway, Dive – läuft man beim Hören dieser so schönen wie traurigen Musik Gefahr, von der eigenartigen und getragenen Atmosphäre der Songs in einen Sog gezogen zu werden und sich tagträumend im Nichtstun verlieren.

Vica Pacheco, Mexikanerin aus Oaxaca, in Brüssel residierend und dort in den experimentellen Szenen sehr aktiv, legt mit Symplegmata nach einigen Radioarbeiten nun ein Album für Kraak vor, das eine erstaunliche stilistische Spannbreite aufweist. Symplegmata sind Unterwasserorganismen, die sich an Steine heften und Kolonien bilden. Der Bergriff bezieht sich aber natürlich auch auf Hermaphroditos und Satyrin in der griechischen Mythologie; kein akademisch angehauchtes Werk ohne den entsprechenden Überbau!


Unterstellt man nun Vica Pacheco vom Papier her eine rein akademisch-wissenschaftliches Interesse für Musik, wird man beim Hören ihrer abwechslungsreichen Platte schnell eines Besseren belehrt. Unorthodox trifft da Musique Concréte auf impressionistische Klangskizzen, traditionelle mexikanische Vokalarrangements und andere Feldaufnahmen weichen einer popaffinen Verspieltheit für Melodien.

Der Argentinier Miguel Sosa lebte für einige Zeit in den 00er Jahren in Antwerpen in einem Künstlersqat, hielt sich als Straßenmusiker über Wasser und war laut dem Ultra Eczema – Chef Dennis Tyfus ein feste Größe in der dortigen experimentellen, heterogenen Musiklandschaft, wo es durchaus vorkommen konnte, dass sich spontan Musiker aus unterschiedlichen Bereichen für einen Auftitt zusammentaten, neben der Bühne gemalt wurde und vieles anderes passierte. Sosa zog dann plötzlich wieder weiter und war ersteinmal von der Bildfläche verschwunden. Überraschenderweise erhielt Tyfus nun Jahre später aus Buenos Aires von ihm das Masterband für sein Solo-Herzensprojekt Cassini Division.

Das feine, kleine Meisterwerk, Eta Carinae betitelt, hat außer den Titeln der Stücke scheinbar wenig mit dem Weltraum, Doppelsternen oder der Wissenschaft zu tun. Die komplexen Kompositionen, die Sosa zuhause mit einem Teac Tape Recorder und diversen konventionellen und anderen Klangerzeugern aufgenommen hat, wirken streng strukturiert und schöpfen aus den manigfaltigen Affinitäten Sosas. Elektronischen Miniaturen, klassische, dramatische, filmmusikalische Elemente, Renaissance- und Library – Music, atonale Klangflächen, Drones und ambiente Electronica fügen sich hier zu einer gut dreißigminütigen, sehr europäisch klingenden Komposition zusammen. Immer schwingt bei den Stücken eine latente, brodelnde Unruhe mit, die Atmosphäre ist aufgeladen und wahlweise schwer, unwirklich oder melancholisch, womit Sosa durchaus auch als Soulmate von Miaux gesehen werden darf.

http://www.kraak.net

http://www.ultraeczema.com

 

 

Ripples

November 6th, 2020

Três Tristes Tigres – Mínima Luz

 

Den Três Tristes Tigres aus Porto gelang es in den 1990ern mit einer eigenwilligen Mischung aus poetischen, geheimnisvollen Texten und eklektischer Musik – die Einflüsse aus Trip-Hop und vertrackter Electronica, aber auch filmmusikartige Soundscapes und Balladen kongenial verband – auf der einen Seite als Kultband in Portugal zu gelten, aber auch den einen oder anderen Insiderhit zu landen ( Zap Canal, Noites Brancas).
Partes Sensíveis, das in der alternativen Musikszene in Portugal für Aufsehen sorgende Debutalbum, entstand noch in der Besetzung Ana Deus, Paula Sousa und Regina Guimarães. Danach aber zog sich Regina Guimarães aus dem Live-Setting der Band zurück und konzentrierte sich auf das Schreiben von Texten für die Grupe. Der ursprünglich bei der Rockband GNR spielende Alexandre Soares ersetzte Paula Sousa. Eine geniale Fügung, brachte Soares doch sein Know How aus seinen Arbeiten mit Film und Theater mit und zeigte sich gleichermaßen begeistert für das auf das Essentielle reduzierte Gitarrenspiel und neue Elektronik.
Die Songs auf Guia Espiritual (1996) und Comum (1998) entkernten den Popsong auf das absolut Wesentliche und schafften Momente, wo der, teils sperrige, teils harmonische, immer wandlungsfähige Gesang von Ana Deus unwiderstehliche Symbiosen mit Soares Klanggebilden eingeht.
Nach einem Art Best of-Album 2001 gingen Ana Deus und Alexandre Soares aber überraschend kreativ getrennte Wege, nur um dann gut ein Jahrzehnt später für das noch reduziertere, rockigere Projekt Osso Vaidoso wieder zusammenzuarbeiten (es entstanden zwei Alben).

Anlässlich einer Konzertserie im alterehrwürdigen Rivoli Theater in ihrer Heimatstadt Porto, wo Ana Deus und Alexandre Soares angefragt wurden, ihr Debut nochmals live zu spielen, (man einigte sich schließlich auf Guia Espiritual, da der Erstling ja noch in anderer Besetzung entstand), und einem für alle Seiten gelungenen Auftritt, reifte die Idee, die Tiger wieder zu beleben.
Die Entstehung von Mínima Luz war also erneut ein Experimentierfeld und die Chance, die Gitarre und modularen Synthesizer von Soares mit den vielen Stimmen von Deus zu kombinieren und eine Popplatte auf der Höhe der Zeit zustande zu bringen. Die Kompilation erschien, so die Band in einem Interview, am 11.9.2001, jetzt veröffentlichen wir Mínima Luz inmitten der größten Gesundheitskrise unseres Lebens, aber es war nie eine Überlegung die Platte zu verschieben wie das viele andere Bands gemacht haben, denn es ergibt keinen Sinn zu versuchen, die Zeit auszusetzen. Die Platte ist ein Zeugnis der Gegenwart 2020.
Obwohl der Entstehungsprozess ihrer Musik nicht grundsätzlich von ihrer bisherigen Linie und Arbeitsweie abweicht, öffnete sich das Duo diesesmal für die intensivere Beteiligung anderer, befreundeter Musiker: Fred Ferreira von Orelha Negra spielt Schlagzeug auf einigen Stücken wie auch Gustavo Costa, den wir als einen der Initianten der experimentellen Szene Portos er letzten fünfzehn Jahre kennen (siehe News from Porto) – die “echten” Drums lassen die Musik organischer und griffiger als früher klingen. Rui Martelo spielt Bass und Angélica Salvis Harfenspiel führt auf Língua Franca, Curativo und Purpurina (Text von Luca Argel) die Musik subtil vom urbanen auf unweltliches Terrain.
Soares lässt die Gitarre und die Elektronik direkt und rau klingen; schleifend und abrasiv reiben sich die Misstöne wunderbar mit der an sich melodischen Ausrichtung der Songs. Ana Deus interpretiert die Texte mit subtiler Wandlunngsfähigkeit, ohne je Gefahr zu laufen Overacting zu betreiben. Letzlich ist den Três Tristes Tigres mit Mínima Luz eine der wenigen zeitgemäßen off-stream- Rockalben der letzten Jahre gelungen. Die Lyrics von Regina Guimarães sind in ihrer Effizenz und Vieldeutigkeit große Kunst und bergen oft eine geheimnisvolle Unentschlüsselbarkeit und Mehrdeutigkeit.

Dazu passen auch ihre beiden ins Portugiesische adaptierten Gedichte von William Blakes The Tyger und Life Is Fine von Langston Hughes, einer jener Songs, so Ana Deus, die das Nachdenken über den Suizid unterhaltsam machen.

À Tona

Fui até à beira rio
na margem me quis sentar
tentei pensar mas não pude
então decidi saltar

À tona vim e gritei
vomitei lodo e chorei
não fosse a água tão fria
é certo que morreria

Entrei no elevador
que ao vigésimo levava
pensei no meu desamor
e julgei que me atirava

Frente ao abismo gritei
frente ao vazio chorei
cair de tão alto é ruim
e é triste de morrer assim
não fora tanta a fundura
saltaria de daquela altura

A vida sabe-me bem
viva me quero manter
morrer de amor é possível
mas eu nasci pr’a viver

 

Life is Fine

I went down to the river,
I set down on the bank.
I tried to think but couldn’t,
So I jumped in and sank.
I came up once and hollered!
I came up twice and cried!
If that water hadn’t a-been so cold
I might’ve sunk and died.
But it was      Cold in that water!      It was cold!
I took the elevator
Sixteen floors above the ground.
I thought about my baby
And thought I would jump down.
I stood there and I hollered!
I stood there and I cried!
If it hadn’t a-been so high
I might’ve jumped and died.
But it was      High up there!      It was high!
So since I’m still here livin’,
I guess I will live on.
I could’ve died for love—
But for livin’ I was born
Though you may hear me holler,
And you may see me cry—
I’ll be dogged, sweet baby,
If you gonna see me die.
Life is fine!      Fine as wine!      Life is fine!

 

http://tresttigres.bandcamp.com