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Milla. Ein Film von Valérie Massadian

Die schräge Coverversion der französischen Band Ghost Dance des Violent Femmes – Klassikers Add It Up über die Nöte der Adoleszenz unterbricht zweimal den ruhigen, beinahe ohne Worte auskommenden Erzählfluss von Valérie Massadians zweitem Film Milla.
In der ersten Szene mimt Leo – der Filmkritiker von Libération Luc Chessel  in seiner ersten größeren Filmrolle, der hier, schlacksig und mit langen Haaren fast wie der junge Blixa Bargeld aussieht – den Song,  der auf einem schepprigen portablen Plattenspieler dahineiert, überdreht wie ein Rockstar, um Milla, 17 Jahre und schwanger, aufzuheitern.
Denn das Paar ist in eine kleine Küstenstadt am Kanal gefahren/geflüchtet und hat sich in einem verlassenen Haus mit Sperrmüllmöbeln und den Hinterlassenschaften der Vorbesitzer eingerichtet und zelebriert das Leben der Bohème.
In der zweiten Szene spielen Frank Williams und Valentine Carette das Stück in einem Zimmer des verwitterten, klaustrophoben Ferienhotels, in der Milla nach dem plötzlichen Unfalltod von Leo, der sich zwischenzeitlich einen Job auf einem Fischkutter gesucht hatte, sich ihren Unterhalt verdient, sehr over the top und mit einem surrealen Touch.
Valérie Massadian, Französin mit armenischen Wurzeln und von Haus aus eigentlich Fotographin realisierte mit Milla ihren zweiten Film, der wie auch das Debut – Nana – das von einem kleinen Mädchen handelt, das sich im Wald verirrt und teils phantastische, teils unwirkliche Momente erlebt, die Grenzen zwischen Fiktion und Dokumentation bewusst unklar lässt bzw. gänzlich aufhebt. Massadian wurde durch die Filme von Pedro Costa und der Begegnung mit Pedro Pinho und João Pedro Rodrigues, deren filmische Philosophie sie, wie sie in einem Interview sagt, dazu motivierte, sich auch dem Medium anzunähern. Die Beziehung zu Portugal ist ohnehin eine besondere. Nana lief dort in den Kinos, während der Film in Frankreich keinen Verleih fand und von den Kritikern eher belächelt wurde. Milla ist eine französisch-portugiesische Co-Produktion und gewann beim letzten DokLisboa-Festival den Hauptpreis. In Frankreich, so Massdon, ist es dagegen, aufgrund meiner Herkunft, meines Geschlechts oder meiner großen Klappe ungleich schwerer von der Kritikerzunft respekiert zu werden.
Séverine Jonckeere, eine nicht-professionelle Schauspielerin, interpretiert ihre Rolle, die wohl mehr als nur eine Spur autobiographische Züge trägt, in beindruckender Weise. Milla ist ein Film, der langsam, ohne jegliche Dramatisation auskommt und wie die Filme Pedro Costas ästhetisch sich fast an ein filmisches Stillleben annähert. Trotz aller widriger Umstände, die die Protaginistin erlebt, wird letztlich doch die “ganz normale” Geschichte wie man als Adoleszente lernt erwachsen zu werden erzählt. Und, es geht um das zentrale Thema, das die Menschheit antreibt: das Versprechen der Liebe und die Möglichkeit bzw. die Unmöglichkeit glücklich zu sein.

Pierre von Kleist editions – Ein unabhängiger Verlag für Fotobücher

Als vor sechs Jahren der Name und das Icon von Pierre Von Kleist auftauchte, gab es unter dem kleinen Zirkel derjenigen, die der Fotokunst nahestehen, einige Spekulationen. Wer könnte sich hinter diesem gezeichneten Konterfei auf einer Münze verbergen? Die altmodische Frisur und der breite Schnurrbart ließen auf eine leicht verschrobene Figur schließen. Und tatsächlich, die Website beschrieb Pierre von Kleist als einen leidenschaftlichen Sammler von Fotobüchern und Veteranen des Zweiten Weltkriegs. Unglücklicherweise wurde der Großteil seines Bestandes Opfer eines Brandes. Die Suche im Internet führte zu einer Adresse in Lissabon.

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Pedro Hestnes (1962-2011)

Mit nur 49 Jahren starb der portugiesische Schauspieler Pedro Hestnes am 20.06.2011 in Lissabon. Hestnes war d a s  Gesicht des neuen portugiesischen Kinos seit den 1990er Jahren. Die erste, jugendliche, männliche Identitätsfigur (Inês de Medeiros, Jugendfreundin, die im gleichen Quatier aufwuchs, ist das feminine Pendant), die das lusitanische Kino seit Rui Gomes in Paulo Rochas neorealistischen Klassiker Os Anos Verdes aus den Sechzigern aufzuweisen hatte. Ganz anders als die behäbigen, intellektuellen Gestalten fortgeschrittenen Alters, die in den Filmen De Oliveiras und Monteiros durch die Sujets schleichen, ist Pedro Hestnes intensive Verkörperung des romantischen, stets verschlossenen, fragilen und verletzlichen Heldens, der letztlich immer auch Verlierer ist, von ein anderen, geheimnisvolleren Welt. Sie hat auch weder etwas mit den machohaften Attitüden der Nouvelle Vague – Protagonisten aus den 1960ern noch den nerdigen Typen des Independendkinos der 1990er gemein. Viele Filme, die er mit Regiesseuren wie Pedro Costa, João Botelho, Teresa Villaverde oder João Canijo drehte, spielten auch nicht in urbanen Metropolen und in Bohèmekreisen, sondern in abgeschiedenen, ruralen Landsstrichen. Die meisten der talentierten portugiesischen Filmemacher aus den 1990ern brachten es aus diversen Gründen nicht zu internationalem Ansehen, mit großer Verspätung hat sich einzig Pedro Costa den fragwürdigen (internationalen) Ruf des Geheimtipps unter Cineasten erworben. In seinem Debut O Sangue/Das Blut von 1989, einer geheimnisvollen Familiengeschicht, vom kongenialen Kameramann Martin Schäfer in kontrastreiches monochrom getaucht, wirkt jedes Bild wie ein unterkühltes, unumstößliches Statement. Hestnes brillierte mit Inês de Medeiros in den Hauptrollen. Mit Costa zusammen definierten sie einen neuen Geist im portugiesischen Film, der zwar durchaus Verehrung für die experimentelleren Bereiche der Filmgeschichte zeigen durfte, aber vor allem auch von einem Punkspirit beseelt war. Bevor es Hestnes dann endgültig zum Film zog, studierte er Theater, Architekur und Kunst; er war auch an einigen Theaterproduktionen beteiligt.
Neben O Sangue waren Xavier, Agosto, A Idade Maior, Lobos und Body Rice weitere wichtige Filme des Schauspielers Pedro Hestnes, die man aber außerhalb der portugiesischen Programmkinos höchstens auf Festivals oder im Fernsehen zu sehen bekam. Schon schwer von der Krankheit gezeichnet, arbeitete er bis zuletzt mit der Regisseurin Catarina Ruivo an deren Film Em Segundo Mão /Aus Zweiter Hand.

Nancy Elizabeth und James Blackshaw im Maria Matos

Guitarra Portuguesa und Movimento Perpétuo, die ersten beiden Platten des Fado-Gitarristen Carlos Paredes von 1967 und 71 respektive, werden in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe im November auf Drag City wiederveröffentlicht: Ben Chasny aka The Six Organs Of Admittance war seit längerer Zeit von dem portugiesischen Maestro so angetan, dass er sich mit den Labelchefs seit 2005 um die internationalen Rechte bemühte. Ein anderer Meister der Gitarre, der Brite James Blackshaw gastierte für ein rares, gemeinsames Projekt mit Nancy Elizabeth in Lissabon; im, ganz im Gegensatz zu den Erwartungen, modernen, zweckmäßigen Maria Matos Teatro. Blackshaw, der den ersten Teil des Konzertes solo bestritt, bevor es zu einigen Stücken im Duett mit Nancy Elizabeth kam und diese dann den zweiten Part übernahm, ist, wie er bekundete, gleichfalls ein Anhänger Paredes. Seine Musik ist insofern nicht so weit von der Paredes entfernt, als dass sie virtuos, aber nicht angeberisch ist. Sie trägt einen ähnlichen Schimmer Melancholie in sich, ohne im Eigentlichen blue-note zu sein. Ansonsten, so kann man im Programmheft lesen, waren für James Blackshaw John Fahey, Derek Bailey, Robbie Basho und auch die Protagonisten der Minimal Music wie Reich, Charlemagne Palestine oder Pärt in seiner Entwicklung von Bedeutung. Als er um die 20 Jahre alt gewesen sei, habe er entdeckt, dass man mit einer 12-saitigen Gitarre alle Vorlieben und Ideen umsetzen könne: Oberton-Musik, Drones, Minimal Music. Die meist um die zehn Minuten sich entfaltenen Stücke des Abends sind streng durchkomponiert, ohne dass ihnen das anzumerken wäre. Mit einer Leichtigkeit offenbart Blackshaw seine Kunst die ganze Palette atmosphärischer Spannungsebenen in ein Stück unterzubringen.
Nancy Elizabeth veröffentlichte zwei Alben auf dem Leaf-Label. Battle and Victory von 2007 ist ein opulent, exotisch instrumentiertes (weird-) Folk-Album; Wrought Iron von 2010 spürt hingegen mit einer reduzierten Anzahl akustischer Instrumente dem inneren des Tons nach und ist – dies eine Parallele zu James Blackshaw – von Steve Reich und Minimal Music beeinflusst. Offensichtlich werden diese Vorlieben allerdings weniger bei der Instrumentierung als beim Gesang, der Techniken der Choralmusik zitiert und oft repetiven Charakter hat.
Nancy Elizabeth wird oft im Zusammenhang  mit Joanna Newsom erwähnt (die Harfe auf der ersten Platte, unorthodoxer Gesangsstil); auf der Bühne des Teatro Maria Matos konnte man allerdings noch eine ganz andere Seite Elizabeths kennenlernen. Die aus Lancashire stammende und in Manchester lebende Musikerin improvisierte an der Gitarre oder am Flügel und sang dazu. Die Setlist ständig umwerfend und die Techniker etwas in Stress versetzend, spielte sie Altes und Neues in ultra-reduzierter Form. Staubtrockener Humor, ein schrilles, ordentliches Maß Exzentrik und professionelle Zerstreutheit, diese Klischees erwartet man von einer Britin, trotzdem ist das, angesichts der beinahe weltumspannenden Gleichförmigkeit des Künstlertyps, immer noch erfrischend. Kammer/Hausmusik, Kunstlied, Anleihen an überlieferte Volkslieder und die avantgardistische Interpretation und die Vermischung von allem passen bei Nancy Elizabeth perfekt zusammen.